Pro Ópera

🎼Les dejo mi colaboración quincenal y musical para @VertigoPolitico en #Pentagrama. Se trata de un personaje fascinante y poco conocida. Espero sea de su interés.

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El 26 de marzo de 1827 falleció Ludwig van Beethoven, una de las figuras más influyentes en la historia de la música 🎶 Su obra, profunda y transformadora, continúa inspirando generaciones dentro y fuera del escenario operístico 🎭 Recordamos hoy su legado, que sigue vigente en la vida cultural del mundo. #Efemerides #Opera #Beethoven

26 de marzo de 1827: Fallecimiento en Viena, Austria, del compositor Ludwig van Beethoven, quien había nacido en Bonn en 1770. Su padre se obstinó en que en su infancia emulara a Mozart y fuese también un “niño prodigio”, para lo cual le redujo falsamente la edad. Una visita de Haydn a Bonn le cambió la vida , pues animó al joven Beethoven a viajar a Viena. Gracias al conde Waldstein pudo trasladarse a la capital imperial, ser introducido a varias familias nobles, estudiar con Haydn y dar lecciones de piano. Pronto fue la sensación en los círculos musicales de Viena por su talento en el piano. Muchos opinan que fue el primer compositor verdaderamente independiente pues podía vivir de lo que obtenía por ofrecer conciertos, de la venta de sus partituras y de sus lecciones, a diferencia de sus antecesores que dependían demasiado de un mecenas, la corte o la iglesia. El legado musical de Beethoven es monumental por sus sinfonías y conciertos, sus sonatas para piano y sus cuartetos de cuerda. Sin embargo, sólo compuso una ópera, Fidelio,con un libreto de Joseph Sonnleithner y Georg Friedrich Treitschke basado en el también libreto de Nicolas BouillyLéonor ou l’amour conjugal. Fue estrenada en 1805 en el Theater an der Wien, de Viena. Es revelador del desafío que significaba la música teatral para Beethoven, pues le tomó 10 años dar forma definitiva a Fidelio, 3 versiones y hasta 4 oberturas. Aunque Beethoven deseaba destacar también por su música para el escenario, como lo habían hecho Haydn, Mozart y Gluck, su producción se limitó a los ballets Las criaturas de Prometeo y Las ruinas de Atenas, algunas oberturas para obras teatrales como Coriolano y la música incidental para  Egmont, inspirada en la obra de Johann Wolfgang von Goethe. Se dice que el cortejo de su funeral atrajo a 30 mil personas en Viena. Está enterrado en el cementerio de esa ciudad, al lado de Schubert, Brahms, Wolf.

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25 de marzo de 1918: Fallecimiento en París (Francia) del compositor Claude Debussy, quien había nacido en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862. Estudió en el Conservatorio de París y ganó el Gran Premio de Roma con la cantata L'Enfant prodigue. A su regreso de Italia, se concentró en el estudio de las obras de Wagner y Mussorgsky, pero pronto alcanzó un estilo propio, que se aprecia en el Preludio a la siesta de un fauno y en los Nocturnos. No obstante, su obra principal, su drama lírico en cinco actos, Pelléas et Mélisande, con libreto propio basado en la obra de teatro de Maurice Maeterlinck y estrenada en el Théâtre de l’Opéra-Comique en 1902,  transformó la manera de hacer, cantar y apreciar la ópera. De carácter un poco taciturno y muy reservado, vivió entregado a la creación y apareció poco en público. Para la escena, también creó Rodrigue et Chiméne, con libreto de Catulle Mendès, basado en la tragedia de Corneille, y   La chute de la maison Usher, drama lírico al que él mismo le escribió un libreto, basado en la historia de Edgar Allan Poe y que dejó incompleto.

25 de marzo de 1881: Nacimiento en Sânnicolau Mare, pequeño poblado del Banato todavía austrohúngaro pero desde 1919 parte de Rumania, Bartók fue un niño prodigio que a los 5 años tocaba decenas de piezas para piano.  De salud frágil y enfermizo, a la muerte de su padre debió viajar continuamente con su madre y su hermana lo que no impidió su desenvolvimiento musical, hasta que a los 18 años se matriculó en la  Real Academia Húngara de Música, en Budapest, fundada y presidida por Franz Liszt. Desde 1867 en que el imperio Habsburgo adoptó el llamado “Gran Compromiso” que hacía de Budapest una segunda capital tras Viena, su vida económica, social y cultural había crecido al ritmo de su crecimiento demográfico. A la vuelta del siglo era la sexta ciudad en términos de población. Allí Bartók pudo comenzar a asistir a conciertos y a la ópera, mientras avanzaba en su desarrollo como compositor, todavía muy influido por Liszt y Wagner. Más aún, llegó a formar parte del círculo de intelectuales, escritores y artistas convocados por György Lukacs que se reunían los domingos por la tarde y que fue disuelto hasta la Segunda Guerra Mundial. En su autobiografía -escrita en 1921, quizás demasiado temprano y de apenas una veintena de páginas-, Bartók recuerda que en 1902 se estrenó en Budapest Así habló Zaratustra, el poema sinfónico de Richard Strauss. “Fue como un relámpago que me despertó de un estado de estancamiento” y afirma que en esa música comenzó a encontrar la nueva vía de componer lo que traía en mente y que deseaba fuese genuinamente húngaro. Bajo esa poderosa influencia y habiendo escuchado Ein Heldenleben -Vida de un héroe- compuso una obra dedicada a Laszlo Kossuth, el héroe de la fallida revolución por una Hungría independiente de 1848. En ese tiempo también comenzó a sobresalir como pianista y para ello compuso  lo que sería catalogado como su opus 1, la Rapsodia para piano y orquesta, con la que se presentó al concurso Rubinstein en 1905, que él confiesa uno de sus más sonados fracasos. No obstante, llegaría a ser designado profesor titular de piano en la Real Academia y en las obras de Liszt como Años de peregrinaje, Armonía poéticas y religiosas, y la sinfonía Fausto, lo pusieron en camino a la tan buscada música húngara. Quizás el episodio decisivo en su vida fue cuando, junto con Zoltan Kodály, comenzó a investigar las raíces y estructura pentatónica de la música folclórica de comunidades rurales de Hungría y Rumania, su influencia en el estilo melódico de Debussy y su presencia en algunas obras de Stravinsky. En esas melodías, canciones y danzas populares halló una veta de una gran riqueza histórica, etnológica y musical. Si únicamente nos hubiese abierto la importancia de esa música de la Europa oriental,ello bastaría para que Béla Bartók ocupase un sitio distinguido en la historia de la música. Pero Bartók fue, porsobre todo, un compositor: páginas como las de la única ópera escrita por el músico, El castillo de Barba Azul; los ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso; el Concierto para piano n.º 1,  el Allegro bárbaro para piano  y el Concierto para orquesta contribuyeron a hacer de Bartókun autor conocido dentro y fuera de las fronteras de su patria, a pesar del escándalo que suscitaron algunas de ellas por lo atrevido de su lenguaje armónico, rítmico y tímbrico.Bartók debió abandonar su adorada Hungría y refugiarse, con su esposa, en Estados Unidos, donde murió pobre, enfermo de leucemia y poco comprendido, en un hospital de Nueva York, en 1945.

25 de marzo de 1867: Nace en Parma, Italia, el director de orquesta Arturo Toscanini en el seno de una familia que participó en el movimiento de unificación italiana encabezado por Garibaldi. Toscanini estudió violonchelo y composición en el Conservatorio de Parma. Su debut como director fue circunstancial ya que en 1887 debió sustituir a un director en Brasil en plena función de Aída, de Verdi. Regresó a Italia donde, en 1892, dirigió el estreno de Pagliacci, de Leoncavallo, en Milán. En 1895 fue designado director artístico del Teatro Regio de Turín, en el que estrenó La Bohème, de Puccini, así como  la primera representación italiana de Götterdämmerung (El ocaso de los dioses),  y el estreno de Tristán e Isolda, ambas de Wagner. En 1898, antes de cumplir 30 años, fue nombrado director del teatro La Scala, de Milán. Allí dirigió los estrenos en Italia de Sigfrido, de Wagner;; Eugenio Oneguin, de Chaikovsky;Pelléas et Melisande, de Debussy; Salomé, de Richard Strauss, y Tosca, de Puccini. A partir de 1908, dirigió en Nueva York, primero con la orquesta de la Metropolitan Opera, después con la Filarmónica de Nueva York, de la que fue director titular. Por un  tiempo regresaba periódicamente a Italia, pero en 1931, invitado a dirigir un concierto en memoria del compositor y director Giuseppe Martucci, se negó a tocar los himnos fascistas, por lo que, al salir del teatro, fue vejado e insultado por un grupo de ellos. Se fue en definitiva a Estados Unidos y sólo volvería a dirigir en Italia en el concierto con el que se reinauguró La Scala tras la Segunda Guerra Mundial. Toscanini siempre tuvo predilección por la ópera para la que tenía una memoria asombrosa y solía dirigir con una notable economía de gestos y ademanes, pero en los ensayos sabía obtenerexactamente lo que la partitura disponía, interpretando con elegancia y sobriedad. Se conservan registros de algunos ensayos en los que deja ver el recio carácter que tenía y la tremenda exigencia que imponía a cada músico de una orquesta.

24 de marzo de 1808: Nacimiento en París, Francia, de la soprano María Malibrán, en el seno de una familia de gran talento musical y voces privilegiadas. Fue hija del compositor, tenor y maestro Manuel del Pópolo Vicente García y de la soprano Joaquina Felicia Sitches (luego Briones). Rossini había escrito el papel de Almaviva de El barbero de Sevilla para Manuel García, un tenor aclamado en París, adonde viajó debido a la invasión francesa de los hermanos Bonaparte en España. Su único maestro fue su padre, que, con dureza y disciplina férrea, logró que ella llegase a tener una extraordinaria técnica vocal.  Las convulsiones en Europa por las campañas napoleónicas forzaron a la familia García a viajar a Italia y luego a Inglaterra, donde María fue internada en un colegio en Hammersmith. Ello propició que María hiciera su debut en 1825  en el Royal Theatre de Londres, en el papel de Rosina en El barbero de Sevilla, de Rossini, reemplazando nada menos que a Giuditta Pasta. Ese mismo año, la familia se embarcó hacia América y fue la primera en montar óperas (Rossini y Mozart) en Nueva York. Desde Nueva York, la familia que se había constituido como una troupe musical viajó a México (ver nota final), pero, entre dudas, Manuel decidió casar a su hija con el banquero Eugène Malibran (ella de 18 años, él de 43), por lo que, a partir de ese enlace, María sería conocida como La Malibrán.Mientras se realizaba la gira por el México no menos convulso de los 1820s, Malibran cayó en bancarrota y llegó a pisar la cárcel. María aprovecha y viaja de regreso a París, donde tiene un debut magnífico en Semiramide, de Rossini. La belleza de su voz, la técnica impuesta a rajatabla por su padre, los cinco idiomas que dominaba, la convirtieron en una atracción principal del Théâtre Italien de París y en la más popular intérprete de las óperas de Rossini. Se enamoró del violinista belga Charles de Bériot, con quien tuvo un hijo. Según algunos biógrafos, gracias al marqués de Lafayette, que la admiraba y pretendía, obtuvo el divorcio civil y eclesástico del banquero Maibrán y finalmente se casó con Bériot. En 1836, sufrió un accidente a caballo en Londres pero decidió honrar sus contratos  por lo que, tras una representación en Manchester, se desmayó y murió poco después. Tenía 28 años. Si bien cantó óperas de Donizetti, entre otros, su nombre quedó asociado a la obra de Rossini: CantóTancredi, Otello, Il turco in Italia, La Cenerentola y Semiramide. También canto Il crociato in Egitto, de Meyerbeer y La Sonnambula e I Capuleti ed i Montecchi de Vincenzo Bellini. En 2007, Cecilia Bartoli organizó un gran homenaje a María Malibrán. La familia artística de Manuel García viajó a México en 1827 y 28. Se presentaron en la Ciudad de México con éxitovariable, pues la moda italiana que traían los García chocaba con la tradición españolizante del México joven. Manuel García presentó en México L’Abufar ossia La famiglia araba, de Michele Carafa; , L’amante astuto (con libreto de Paolo Rosich), y Semiramide, de Rossini, entre otros títulos. En el trayecto de regreso a Veracruz para embarcarse, su diligencia fue asaltada, al parecer, por la banda que luego, gracias a Manuel Payno, sería evocada en la novela Los Bandidos de Río Frío. Los despojaron del vestuario con que viajaban y del caudal de monedas de oro y plata con que se les habían pagado sus funciones y, según algunas versiones, les perdonaron la vida, pues cantaron para los asaltantes.

23 de marzo de 1923: Estreno en el Teatro San Fernando de Sevilla de la versión en concierto de la ópera en un acto El retablo del Maese Pedro, de Manuel de Falla, sobre un libreto propio basado en el episodio del capítulo XXVI de la segunda parte de la novela  El Ingenioso caballero don Quijote de la Mancha, de Miguel Cervantes de Saavedra. La obra de Falla se estrenaría en una función privada el 25 de junio del mismo año, en París, y en público hasta el 13 de octubre de 1924 en los Victoria Rooms, de Londres.

22 de marzo de 1727: Fallecimiento en Roma, Italia, del compositor Francesco Gasparini, quien había nacido en Camaiore, cerca de Lucca, en 1668. Estudió con Corelli y, en 1700 , llegó a dirigir el coro del Ospedale della Pieta, de Venecia, cargo en el que se mantuvo 13 años. En 1717 pasó a ser maestro de la capilla de San Lorenzo in Lucina, en Roma, y en 1725 de la capilla de Letrán. Fue un compositor muy respetado  y escribió más de 60 óperas e intermezzi para los teatros de Roma y Venecia, además de música litúrgica.

22 de marzo de 1687: Fallecimiento en París, Francia, del compositor Jean-Baptiste Lully (originalmente Giovanni-Battista Lulli), quien había nacido en Florencia, Italia, el 28 de noviembre de 1632. A los 13 años de edad, viajó a Francia para enseñar italiano a Mademoiselle de Montpensier, prima del futuro rey Luis XIV. Pronto sobresalió como violinista, guitarrista y bailarín, y trabajó cerca del compositor Michel Lambert. En 1653, a los 20 años de edad bailó por primera vez con Luis XIV (entonces de 14 años) en el Ballet royal de la nuit. Al asumir el poder absoluto en Francia, tras la muerte del cardenal Mazarino, Luis XIV de inmediato designó a Lully superintendente y Maestro de Música de la Cámara, las dos posiciones más poderosas en la estructura artística de la corte, además de maestro de música de la familia real; tenía 29 años. Durante su segunda década en la corte, afianzó una  notable colaboración con Molière. En 1672 fundó la Academia Real de Música, que se convertiría en la Grand Opéra y comenzó a componer música para textos franceses, adoptando la declamación silábica, arias  de formas sencillas, coros y ballets integrados. Gracias a la Academia Real, Lully controlaba la producción de espectáculos  para la escena con música. Llegó a dominar por completo la ópera francesa a lo largo de varias décadas. Su primera ópera fue el pastoral Les Fêtes de l’Amour et de Bacchus (1672), con libreto de Philippe Quinault. A esta siguió la  tragedia lírica Cadmus et Hermione (1673). La colaboración entre Lully y Quinault es una de las más formidables en la historia del arte lírico  y abarca más de  10 títulos. Entre las principales obras del catálogo de Lully están:  Alceste o el triunfo de Alcide(libreto de Qinault, 1674); Thésée (Teseo con libreto de Quinault, 1675); Atys (1676), Isis (1677); Bellérophon (libreto de Corneille, si bien basado en la tragedia de Quinault, 1679), Proserpine, 1680); Amadis (que marca el alejamiento de Quinault de la mitología griega para incursionar en historias de caballería medieval,1684); Roland (1685); Armide (1686)  Acis et Galatée (pastoral heroica con libreto de Jean-Galbert de Campistron, 1686), Achille et Polyxéne (comenzada por Lully y completada por Collasse, 1687). La hegemonía de Lully sobre la música francesa del siglo XVII se debe a una combinación de gran talento musical y teatral, una hábil gestión de los dineros y las personas, un indómito afán de poder y, desde luego, una dosis de buena suerte.

21 de marzo de 1925: Estreno en el Théâtre du Casino de Montecarlo de la fantasía lírica (como la definió el autor) en dos actos L’enfant et les sortilèges, de Maurice Ravel con libreto de Colette. youtu.be/QKop5zqwOrY?si…

21 de marzo de 1839: Nacimiento en Karevo (Pskov, Rusia) del compositor Modesto Mussorgski quien vivió su infancia en una aldea campesina, lo que le permitió comprender —y representar musicalmente— la sensibilidad, el humor, la pobreza y las tradiciones del pueblo ruso. De familia con muchas carencias, combinó la carrera militar con la música, para la que mostró gran talento desde muy joven. La vida de Mussorgski fue muy atribulada por su salud frágil, un trastorno nervioso que nunca logró superar y periodos depresivos. Formó parte del “Grupo de los Cinco”, (Glinka, Balákirev, Borodin, Cui y el propio Mussorgski) que sostenían que en virtud de que no era posible mantenerse dignamente sólo de hacer música, la combinaban con otras actividades; por ejemplo Cui era profesor en la Escuela Militar de Ingeniería y Artillería e Inspector de Bandas Militares, Borodin fue un respetado químico e impartía esa materia en la Escuela de Medicina, y Mussorgski fue  burócrata en niveles bajos toda su vida. No dudaron en acudir al folclor y la música tradicional de Rusia y lograron, en el lapso de pocas décadas, de conformar un estilo genuinamente nacionalista impregnado de música autóctona y en el que la tonalidad,  melodía y ritmo eran tratados con singular libertad. La obra de Mussorgski consiste esencialmente en unas treinta canciones, entre las que destacan La habitación de niños; Cantos y danzas de la muerte; La canción de la pulga (con letra de Johann Wolfgang von Goethe); ocho composiciones corales; lasóperas Salambö (con libreto del propio compositor, basado en la novela de Gustave Flaubert; la comedia musical El matrimonio (con libreto toamdo de la obra de teatro de Gogol); Mlada (con libreto de ViktorKrylov y completada por Cui, Rímsky-Korsákov y Borodin); Boris Godunov (con libreto del autor, basado en el drama de Pushkin); el drama musical  Khovanshchina (con libreto del compositor) y la ópera cómica La feria de Soróchinsk (con libreto de Mussorgski, basado en la obrade Gogol), así como obras orquestales como el Scherzo en si bemol, Intermezzo, Marcha a la turca y Una noche en la árida montaña. La producción de Mussorgski no es abundante, pues vivió solamente 42 años, falleciendo en San Petersburgo, en marzo de 1881. El gran pintor ruso Ilya Repin hizo retratos de Cui, Borodin y Mussorgski. A este, pintado en el mes de su muerte, lo muestra avejentado, víctima del alcoholismo y acaso ya sumido en una  depresión final. (El pintor Karl Bryullov pintó a Glinka y Nikolái Kusnetzov pintaría a Tchaikovsky).

20 de marzo de 1890: Nacimiento en Copenhague, Dinamarca, del tenor Lauritz Melchior, cuyo nombre real era Lebrecht Hommel. Fue miembro del coro de voces blancas de la iglesia anglicana en su ciudad natal y después estudió en Londres, Berlín y Viena. Aunque  primero había cantado como barítono,  en 1918 debutó como Tannhäuser en la Ópera de Copenhague. En 1924 interpretó el papel de Siegmund en Die Walküre (La Valquiria), de Richard Wagner,  en la Royal Opera House, Covent Garden, dirigido por Bruno Walter. En Londres cantó Otello en 1933 y 1934, y Siegfried en la legendaria tetralogía de El anillo, de Wagner, que dirigió Wilhelm Furtwängler en  ocasión de la coronación del rey Jorge VI, en 1937. Fue un invitado casi permanente al Festival de Bayreuth. Entre 1926 y 1949, cantó en más de 500 funciones en la Metropolitan Opera House de Nueva York, registrando récords de presentaciones de roles wagnerianos:  Tristán, 129 veces; Siegmund (en Walküre),83; Tannhäuser, 71; Lohengrin, 69; Siegfried en Götterdämmerung (El ocaso de los dioses), 51; Siegfried, 47. Se presentó con frecuencia en Berlín, Viena y París y,durante varios años, hasta 1943, en Buenos Aires y Santiago de Chile. Durante tres décadas, fue el Heldentenor (tenor heroico) más aclamado del mundo.   En 1945 actuó en su primera película, Thrill of Romance, producida en Technicolor por MGM, al lado de Van Johnson y Esther Williams y dirigida por Richard Thorpe. Siguió This time for keeps, en 1947 también dirigida por Thorpe, con Esther Williams  y Jimmy Durante, y filmó algunas más. En 1950 se retiró de los escenarios, pero siguió ofreciendo recitales y conciertos. Falleció en Los Ángeles, California, en marzo de 1973.

20 de marzo de 1890: Nacimiento en Recanati, provincia de Macerata, Italia, del tenor Beniamino Gigli, hijo del campanero de la catedral. A los 18 años viajó a Roma a estudiar canto y, gracias a una beca, fue admitido en el Liceo Musical de Santa Cecilia, donde su maestro fue Enrico Rosati. Tullio Serafin lo recomendó al Teatro Carlo Felice de Génova, donde en 1914-15 interpretó La Gioconda de Ponchielli y Tosca de Puccini. Un año más tarde debutó en el Teatro San Carlos de Nápoles con Mefistofele, de Arrigo Boito. Con ese título, en 1918 se presentó por primera vez en La Scala de Milán, dirigido por Toscanini, lo que le proyectó hacia otros teatros importantes. Así, en 1919 cantó La Traviata, de Verdi, y La bohème, de Puccini, en el Teatro del Casino de Montecarlo, papeles que serían legendarios con su voz. En 1919 y 1920 cantó en el Teatro Colón de Buenos Aires, el Teatro Municipal de Río de Janeiro y el Teatro Urquiza de Montevideo.Finalmente, fue contratado por el Metropolitan de Nueva York para la temporada 1920-21, ydebutó el 26 de noviembre con Mefistofele. Al morir Caruso en agosto de 1921, muchos lo consideraron su natural heredero, algo que Gigli siempre rechazó, pero que le valió una enorme fama con óperas como Manon Lescaut, de Puccini; L’Africana, de Meyerbeer; L’elisir d’amore, de Donizetti; y Marta, de Friedrich von Flotow. Su carrera en el Met se extendió por más de doce años y él le dio término cuando la gerencia decidió reducir su caché debido a las secuelas de la crisis financiera de 1929, intento que él rehusó. En todo caso, en el Met cantó , de Puccini, Manon de Massenet, Madama Butterfly, Romeo y Julieta, La Gioconda, Falstaff, Fedora, La cena de las burlas, Mignon, La Rondine, Don Giovanni, Iris y La Sonnambula. Aun con un fuerte contrato con el Met, se dio tiempo  para presentarse en Berlín, Hamburgo, Londres y Budapest y, en Estados Unidos, en San Francisco, Los Ángeles y Chicago. En este período entraron en su repertorio obras decididamente dramáticas como La forza del destino, Il Trovatore y Poliuto, a la vez que perfeccionaba Lucrezia Borgia y La Favorita, e incorporaba Il pirata, Zazá, Maristella, Gloria y L’arlesianade Cilea, Carmen y Pagliacci. Su popularidad, ya muy extendida, se afianzó e incrementó con películas rodadas en Italia y Alemania, fragmentos de las cuales se pueden apreciar en youtube. Su carrera se prolongó hasta 1950, en que cantó en Egipto, Sudáfrica y, de nuevo, en América del Sur. Cantó por última vez en público en Washington en 1955 y falleció en Roma en 1957. Gigli es una de las voces más extraordinarias del siglo XX y hay algunas buenas grabaciones suyas, aunque no tuvo la suerte de vivir el auge de los acetatos.

19 de marzo de 1864: Estreno también en el Théâtre Lyrique de París de la ópera en cinco actos Mireille, de Charles Gounod, con libreto de Michel Carré, basado en la novela en verso en lengua provenzal Mirèio, de Frédéric Mistral (1859). Tras leer el poema, Gounod de inmediato entró en contacto con Mistral a través del escritor Ernest Legouvé y aceptó escribir la ópera en Provenza, visitando el lugar donde se desarrollaría cada cuadro de la ópera. youtu.be/lj6pJxc9qGo?si…

19 de marzo de 1859: Estreno en el Théâtre Lyrique de París del drama lírico en cinco actos Faust, de Charles Gounod, con libreto de Jules Barbier y Michel Carré, basado en la tragedia de Fausto de Johann Wolfgang von Goethe. youtu.be/KcHh-WddGAo?si…

19 de marzo de 1801: Nacimiento en Nápoles, Italia, del escritor y libretista Salvatore Cammarano, en el seno de una familia de fuerte tradición teatral. Tuvo éxito con varias publicaciones y escribió los libretos de Lucia de Lammermoor, Roberto Devereux y Poliuto para Gaetano Donizetti, así como los de Alzira, La battaglia di Legnano,Luisa Miller e Il Trovatore para Giuseppe Verdi. También proveyó libretos a Giovanni Pacini y Saverio Mercadante. Falleció en Nápoles en julio de 1852.

Próximamente te contamos todo. 👁️

🔥 Las polémicas: un crítico escribió que preferiría "sacarse los ojos" antes de volver a verla. El teatro la repuso de todas formas.

⏪ Las experimentales: todos los teatros le dijeron que no. Detroit dijo sí. El resultado: una ópera que empieza con la muerte... y termina con el amor.